Les portraits délicats de Phoebe Boswell nous demandent de prendre soin les uns des autres

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Phoebe Boswell. Emile Holba

A la gare de Lacey-Bachet à Genève, des méga écrans de 30 mètres bordent les deux quais. L’œuvre récemment dévoilée est une série de portraits filmés qui prend la forme de boucles de mouvement à deux arrêts. Dans l’œuvre, chaque visage dessiné au crayon commence à apparaître comme la main d’un artiste peut donner vie au portrait. Les portraits se mettent à clignoter et à regarder autour. Une fois les images réalisées, elles sont effacées et remplacées par des mots choisis par les sujets. Il s’agit de la dernière œuvre de l’artiste kéno-britannique Phoebe Boswell à voir, intitulée Plate-forme, commandé dans le cadre de Mire, un programme d’art public à Genève.

En ces temps sombres, polarisants et violents, Boswell invite le spectateur à regarder. Cette activité apparemment quotidienne de voir des gens est quelque chose qu’elle croit que beaucoup d’entre nous ont complètement oublié comment faire.

«Je vois la simplicité d’explorer et de célébrer les gestes humains de personnes que nous ne rencontrerons jamais, qui peuvent en effet se craindre ou ce que cet autre peut représenter, comme une proposition généreuse et radicale.» Boswell raconte à Observer.

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Le processus de création de l’œuvre a impliqué un appel public à des photos d’auto-auteur ainsi qu’un questionnaire de réponse fourni par Boswell. Après avoir reçu des soumissions, elle a commencé à installer sa caméra sur une plate-forme pour se filmer en train de dessiner.

«J’ai une étrange relation avec le portrait, je l’adore, cela fait partie intégrante de ma pratique, mais je pense aussi que cela peut être si mort et que cela peut être tellement lié à la vanité», dit-elle. L’intégration transparente de la technologie et de l’échelle par Boswell laisse souvent plus de place pour explorer les complexités que le portrait traditionnel inhibe.

Plate-forme, en vue à la gare de Lancy-Bachet à Genève. Serge Frühauf

Bien que formée au dessin figuratif, elle explique que son style de travail est ancré dans un canon qui a toujours refusé de la voir, donc la multiplicité de son approche a été sa méthode de subversion. Les résultats de ce travail ont poussé son enquête sur ce que le portrait peut faire de plus. «Cela m’a certainement beaucoup appris sur l’incarnation et sur la façon dont le dessin peut devenir un outil de soins. Le portrait est devenu cette relique du regard. » elle explique.

Cette même incarnation et ce même soin dont Boswell parle se reflètent dans une grande partie de son travail. Ces thèmes ont pu être vus dès le début, dans sa première exposition en galerie, «La question de la mémoire», qui a ouvert ses portes à Carroll / Fletcher Gallery à Londres en 2014. Inspirée par des récits extraits de la mémoire de ses parents, Boswell a recréé le salon de sa grand-mère comme un moyen d’explorer sa propre identité. Et le soin est également très présent dans sa pièce vidéo à trois canaux J’ai besoin de croire que le monde est toujours aussi beau, qui a joué en boucles aléatoires avec de la poésie montrée dans le cadre de l’exposition «Get Up, Stand Up» de l’été dernier à Somerset House. Pour Boswell, les soins sont toujours au centre.

En 2017, un accident malheureux laisserait Boswell avec un œil brisé et trois semaines plus tard, elle se retrouverait dans une salle cardiaque à forte dépendance avec un cœur brisé. Cette fois-ci, ce serait elle qui recevrait les soins. «C’était une période horrible. Je ne le souhaiterais à personne. Une femme médecin est entrée et je lui ai demandé s’il s’agissait d’un chagrin et elle a dit que c’était bien le cas, que notre corps ne pouvait en prendre autant et que votre corps avait réagi au stress de cette façon. »

Pour tenter de guérir, parallèlement à la thérapie, elle fabriquait des pièces d’animation de la taille d’un battement de cœur mais réalisait que sa précision était trop formelle. «Je devais faire quelque chose de plus viscéral. Je devais bouger mon corps », s’exclame-t-elle.

Entre l’attente dans les salles d’hôpital, Boswell commençait à dessiner une série de femmes à tête monoculaire; faire de grands paysages marins avec du charbon de bois; écriture libre avec une ligne inspirée d’une femme qu’elle a rencontrée à l’hôpital de cardiologie «emmène-moi au phare»; et se filmant sur la plage de Zanzibar avec l’aide de son père aux commandes d’un drone. «Je n’avais jamais vraiment travaillé comme ça auparavant, j’avais l’impression que ça venait d’un endroit et c’était un sentiment différent pour moi. Je n’étais pas dans ma tête et c’était une réponse corporelle. »

Phoebe Boswell, L’espace entre les choses, 2018. Un autographe

Ce seraient les prémices de ce qui allait devenir un autre ouvrage majeur: L’espace entre les choses, explorant une rupture physique, spirituelle et émotionnelle et une invitation au voyage de guérison et de renaissance de Boswell présentée à la galerie Autograph à Londres.

En préparation pour ce travail, Boswell s’habituait à nouveau à une autre façon de voir et de faire confiance. «Je ne peux pas vraiment voir sur mon côté droit, donc la confiance dans un sens physique était une chose vraiment difficile et avoir confiance que le public retiendrait le chagrin était une grande chose pour moi. En fait, je dois avoir confiance que le public prendra soin de moi et du travail. »

À partir d’un dessin panoramique d’autoportraits au fusain de saule réalisé directement sur les murs de la galerie, l’exposition a mis en œuvre tous les langages visuels de Boswell, du dessin et de la vidéo au son et à la parole. Le résultat a été un aperçu immersif, délicat et obsédant des différentes itérations de ce que signifie pour un corps de se briser et de se ressaisir. La réponse et l’engagement ont été bien plus que ce que Boswell aurait pu imaginer. «Avec la bonne équipe autour de votre travail, cela peut être la chose la plus curative et transformatrice que vous puissiez faire.»

Une image de la série de Phoebe Boswell «Future Ancestors». Phoebe Boswell

Le nouveau travail en cours de Boswell est inspiré par sa rencontre avec des pêcheurs en haute mer à Zanzibar. Appelé «Fanciens ancêtres », la série interroge la notion de liberté et d’un nouveau monde au-delà des limites de notre imagination.

«Zanzibar est évidemment un endroit très intéressant pour penser à la liberté, car c’était un grand port d’esclaves et ces hommes étaient des descendants d’Africains continentaux qui auraient été kidnappés et amenés à la mer, repris par bateau dans les îles et réduits en esclavage. Je pense donc à ce que ce nouveau lieu de liberté signifie avec cette histoire. »

Dans cette nouvelle série d’œuvres, Boswell pose de plus grandes questions sur ce que les rêves de liberté peuvent éclater de l’acte de dessiner et ce que cela signifie de donner la priorité aux gens par rapport au capital. Cependant, elle est toujours préoccupée par le rôle que les soins peuvent jouer. «Je pense que les limites de notre imagination ne peuvent être repoussées que lorsqu’elles sont nourries par ces écosystèmes de soins. L’amour est un antidote à cela. ”

Les portraits délicatement rendus de Phoebe Boswell nous demandent de prendre soin les uns des autres




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